Yuki Ogura, una feminista pionera del modernismo japonés

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Yuki Ogura, “Retrato de un pintor” (1962) (todas las imágenes son cortesía del Museo de Arte de Shiga)

SHIGA, Japón — El “Retrato de un pintor” de 1962 de Yuki Ogura ofrece una rara mirada a la psique del artista. En él, mira al espectador y dibuja en un bloc de papel, como si nos estuviera observando desde la vida. Ese mismo cuaderno de bocetos, que se conserva desde la muerte del artista en 2000, revela que Ogura repitió la composición casi 20 veces antes de pintarla. Aunque se retrata a sí misma con una expresión sombría en los dibujos, en la pintura tiene una mirada cómplice, confiada y juvenil, y una sonrisa casi traviesa. Algo se ha transformado para ella aquí: ya sea que se represente a sí misma oa otra cosa, el acto de hacer una imagen claramente le brinda una sensación de plenitud e incluso alegría.

La pieza es el único autorretrato en Yuki Ogura y los pintores del Instituto de Arte de Japón: Taikan Yokoyama, Shunso Hishida, Yukihiko Yasuda, Seison Maeda, Gyoshu Hayami y otros en el Museo de Arte de Shiga. Comisariada por Hatsuki Tano, la exposición presenta más de 90 obras de Ogura y los artistas que influyeron y luego trabajaron junto a ella en la Bijutsuin de Nihon, o Japan Artwork Institute (JAI), un grupo fundado originalmente en Tokio en 1898. Ogura period una artista femenina excepcional en una organización y un campo dominados por hombres, y es fascinante ver cómo forjó su propio camino a lo largo de una vida que abarcó todo el siglo XX.

Ogura nació en 1895 en Otsu, prefectura de Shiga. Estudió literatura japonesa y clásica en lo que ahora es la Universidad Femenina de Nara, aunque pasó gran parte de sus años universitarios dibujando. Después de graduarse en 1917, comenzó a trabajar como maestra de escuela primaria y secundaria, trabajo que continuaría en Kioto, Nagoya y Yokohama durante los siguientes 22 años. Sin embargo, el impulso de hacer arte empujó a Ogura, y en 1920 comenzó a estudiar pintura con Yukihiko Yasuda, un artista JAI con sede en Ōiso.

Las obras de Yasuda incluidas en la exposición brindan la oportunidad de apreciar cuánto se diferenció Ogura de su mentora y de sus compañeros masculinos. Pinturas como “Nukada-no-okimi en Asuka en primavera”, realizadas por Yasuda dos años después del animado autorretrato de Ogura de 1962, a menudo incluyen figuras históricas con rasgos generalizados en poses estáticas. Por el contrario, Ogura pintaba principalmente del pure. Aunque su arte tiene sus raíces en las tradiciones de la pintura japonesa, sus imágenes de mujeres y niñas contemporáneas, a menudo modeladas por familiares y amigos del artista, transmiten la complejidad y la peculiaridad de personas reales que respiran.

“Sisters” (1970) ejemplifica esto. Aunque está pintado en un estilo ligero, casi caricaturesco, las faldas en ángulo de las niñas atraen nuestra atención hacia la mirada burlona y seria de la hermana mayor, un recordatorio de las responsabilidades que un hermano puede tener incluso a esta edad. En “A Dancer” (1969), retratando a un maiko o aprendiz Geishalas espléndidas prendas y las horquillas de la joven conviven con su expresión ambivalente, que tal vez denota cierto cansancio por la noche anterior o posterior.

Otra diferencia entre Ogura y sus compañeros de JAI es su receptividad a las influencias occidentales. Las primeras exposiciones de Picasso y Matisse en Japón en 1951 ofrecieron a los artistas la oportunidad de experimentar obras de arte en persona que antes solo habían visto en libros, fotos y revistas. Ese año también parece marcar un cambio en el enfoque de la artista: aunque continuó trabajando en papel, sus delicadas y suaves figuras y flores se volvieron más dinámicas, sujetos pesados pintados con una mano más audaz y sinuosa. “Household” (1958), una pintura a gran escala de un hombre y una mujer en una habitación de estilo occidental, está representada con líneas oscuras y seguras sobre pasajes de pintura sólidos y sin mezclar, y es especialmente llamativa por su sensación experimental.

Yuki Ogura, “Un bailarín” (1969); El Museo Nacional de Arte Moderno, Kioto

Si bien se especializó en retratar mujeres, quizás el género favorito de Ogura, y el que persiguió hasta sus últimos días, fue la naturaleza muerta. Su obra de arte se basó en su meditación y práctica espiritual; más tarde se casó con un sacerdote zen. Obras como “Grape” (1959), con su composición y colores reducidos, están imbuidas de una vitalidad esencial, y los pimientos dispersos y los paquetes de verduras en los mostradores de “Kitchen Items” (1980) nos recuerdan que para Ogura, quien pasó muchos años como enfermera de su madre, los temas de sus pinturas no eran puramente estéticos; también eran la materia prima del trabajo, el cuidado y el sustento.

La habilidad y la perseverancia excepcionales de Ogura fueron reconocidas durante su vida. Más allá de sus frecuentes exposiciones y premios, fue nombrada becaria de la JAI en 1928, se convirtió en su primera mujer miembro en 1932 y se desempeñó como directora de la organización en 1978. Dos años después, se convirtió en la segunda pintora en recibir el premio. Orden del Mérito Cultural. A pesar de los elogios, continuó trabajando con un tranquilo sentido de exploración e innovación. Es una maestra colorista cuyas obras abordan sutilmente cuestiones personales y sociales. Humilde e increíblemente humana, incluso sus imágenes de flores y frutas están llenas de un innegable sentido de la vida. Su arte es digno de ver y celebrar hoy.