Un Crescendo Tranquilo en el Hunter MFA Present

Cuando llegué por primera vez a 205 Hudson Gallery en Tribeca para la segunda parte de la exposición de tesis de maestría en Bellas Artes de Hunter Faculty, pensé que estaba muy por encima de mi cabeza y simplemente no leí suficiente teoría del arte para descifrar lo que tenía delante. Esa ansiedad aumentó cuando pasé por el vestíbulo de la galería mientras un altavoz round bombeaba melodías sinfónicas entre dos puertas de vidrio, y aumentó cuando entré en la galería tranquila y me sentí como si estuviera en una simulación de trastienda de una liquidación esquelética de Mattress Tub & Past. . La exposición, titulada Gusanos, un buen modelo de negociose sintió excepcionalmente liminal con su escasa asistencia a las 3 p.m. un miércoles, junto con la estética despojada de las obras presentadas en comparación con el primera parte del programa Hace unas pocas semanas.

Pero ese respiro y el silencio que lo acompaña transmitieron el respeto mutuo compartido entre esta cohorte de cinco artistas cuyas obras destacadas lidiaron con el significado de la contención. A través del práctico texto de la exposición y la lista de verificación, supe que la interpretación instrumental en el vestíbulo period una compilación de música de la artista Liza Lacroix recopilada de biografías de artistas visuales famosos, y de repente todo dejó de ser tan serio. Y realmente no lo fue, ya que Lacroix me dijo que la instalación de sonido se inspiró en el Getty Heart Tram de Los Ángeles, así como en la fila de espera para ingresar a Common Studios.

Para esta exposición, Lacroix cambió sus pinceles y lienzos por la emoción y la intimidad como sus medios a través del trabajo sonoro. En los pisos de la galería, Lacroix colocó varios auriculares negros y rojos conectados a reproductores de MP3 con la misma composición de sonido, “Canción funeraria 1-6”, una grabación de baja fidelidad de ella cantando junto a “Let It Free” de los Rolling Stones. que sonó en el funeral de su padre cuando ella tenía 16 años, varias veces seguidas. Incluso con el crujido related al de un correo de voz del audio, la privacidad de los auriculares me permitió escuchar cada respiración entrecortada de Lacroix, cada resoplido húmedo y cada crujido en su voz sobre la reproducción de la canción en repetición. Me senté en un cuadrado holográfico transparente adherido al piso de la galería y escuché por completo, ya sea aturdido por esta vulnerabilidad o felizmente inconsciente de mi libre albedrío para moverme de ese lugar donde encontré el reproductor de MP3.

“Hay tantas devoluciones de llamadas a espacios contenidos, tanto públicos como privados”, me dijo Jared Friedman durante una discusión grupal cuando todos los artistas estaban presentes ese día. Las grandes pinturas y pequeñas esculturas de Friedman, una oda a lo anodino, trazaron el perímetro de las dos salas sin ventanas de la galería. La fijación de Friedman con lo mundano se manifiesta en pinturas desconcertantemente detalladas de bloques de madera, puestos de baños públicos y contenedores de comida para llevar reforzados con moldes de cemento de estos últimos. Las esculturas se exhibieron como trofeos preciados que merecían una gran importancia, o se quedaron atrás y solas, como solemos encontrar sus contrapartes literales. Friedman tapa materialmente cualquier hueco en estos objetos renderizados, saturándolos con un peso físico y metafórico que nos hace cuestionar nuestra relación con lo pasado por alto y sobreproducido.

En una nota related, la serie de acero soldado y acero soldado de la becaria Fulbright Andreia Santana moldeado por asentamiento esculturas de paneles de vidrio, Techo de la Boca #1-6 (2023), fosiliza las huellas de los residentes de la ciudad de Nueva York. Trabajando a una escala mucho más pequeña de lo routine, Santana imbuyó su vaso con arrugas, garabatos y motas que emulan las manchas grasosas del tacto humano antes de pellizcarlas en sus andamios de acero creados a partir de la imagen de su entorno. “Todos los días paso por estos andamios y sitios de construcción, y tomo notas y fotos del texto y el graffiti e incluso los juguetes que quedan”, me dijo Santana. “Y la concept period hacer que el vidrio se derritiera sobre esas formas y formas para fosilizarlas de modo que no veas el objeto, pero veas una época en la que el objeto estuvo allí una vez”. Lo que realmente disfruté fue la evidencia de la mano de Santana a pesar de la esterilidad implícita de los materiales empleados.

Al rechazar el binario rectangular de un lienzo estándar, el pintor Rafael Yaluff se embarcó en la tarea de Sísifo de crear camillas de forma irregular para sujetar su lienzo. En “Sundown 1” y “Sundown 2” (2023), las camillas individuales meticulosamente diseñadas por Yaluff están formadas por ángulos extraños, curvaturas y abolladuras que finalmente vuelven a encajar como un rompecabezas rectangular completo, lo que me lleva a preguntar por qué pasó por todas ese esfuerzo en primer lugar. “Me siento muy atraído por lo innecesario”, me dijo Yaluff. “Cuando estoy pintando, siento que estoy dentro de ese rectángulo tratando de descifrar la imagen. Pero si intento hacer algo con dos cuadros, siento que se convierten en objetos y necesitaba esa sensación de libertad”.

Las obras cinéticas del diseñador David Thonis validaron el minimalismo de la exposición cuando sus sonidos rebotaron en las paredes blancas y los pisos de concreto de la galería. Con experiencia en diseño de muebles, Thonis se aleja de la rigidez del utilitarismo y aborda la obsolescencia programada de los bienes materiales a través de exámenes dimensionales de futilidad e inutilidad. Hay casas de MDF que vibran en el piso tan violentamente que se desmoronan, una estructura de estanterías de cedro inclinada que amenaza rítmicamente con caer hacia adelante desde la pared debido a una “rueda” acrílica rotatoria y dentada, y un dispositivo amarillo amorfo cuyo único movimiento es un disco que gira lentamente. Esta futilidad lúdica también se entreteje en el trabajo de video de Thonis al hacer que el espectador aborde los orígenes de la conspiración en el impulso de encontrar algo de la nada.

que tiene de fascinante Gusanos, un buen modelo de negocio es que es una exposición que vive y respira. Las cosas se mueven, las pantallas cambian según los caprichos de los artistas y los sonidos reverberan en el espectador y a través de la galería. Sentí que esa aprensión inicial se disolvió cuando consideré cómo el trabajo presentado se comportaba de manera muy related a los órganos que forman un cuerpo, cada uno cumpliendo su propia función en apoyo del éxito de un todo.

Gusanos, un buen modelo de negocio estará en exhibición hasta el martes 23 de mayo en 205 Hudson Gallery en Manhattan. Hazte un favor y habla con los artistas, y no olvides mirar debajo de las escaleras :~)