Contribución de Adam Simon / A primera vista, las pinturas de Tom McGlynn, expuestas en su exposición particular person “Lo que da” en Rick Wester High quality Artwork, parecen ser ejemplos de abstracción minimalista, libres de narrativa, tema o cualquier cosa asociativa. Sus disposiciones de rectángulos de shade sólido sobre un campo monocromático evocan los orígenes utópicos del modernismo: Mondrian, Van Doesburg, De Stijl, Neoplasticismo, pintura depurada de todo lo que pueda parecer extraño. Sin embargo, para los pintores abstractos contemporáneos, estas formas básicas son significantes ponderados históricamente, que ya no están libres de asociación. Ahora no se puede hacer una pintura abstracta geométrica sin que también sea una representación de una pintura abstracta geométrica. McGlynn es plenamente consciente de esta duplicación. Para él, no es tanto un dilema como una característica definitoria de su trabajo. Lo notable es que, a partir de un suelo aparentemente agotado, puede conjurar tanta riqueza visible.
Su trabajo nunca ha encajado del todo en la alta categoría modernista. Sus colores son extrañamente evocadores, evocando decoración corporativa, centros comerciales, dulces. Interactúan de una manera habladora y dramática. En un cuadro como el epónimo Lo que da, nos llama la atención primero el exceso de colores diferentes, y luego el hecho de que formas de tanta similitud sean cromáticamente tan diferentes. El rosa y el morado se conectan un poco, al igual que el naranja y el rojo, el naranja y el amarillo, y el negro y el marrón. Pero ninguna de estas conexiones es suficiente para establecer una verdadera jerarquía. Nos quedamos con la sensación de un grupo heterogéneo de personalidades que no coinciden, cada una compitiendo por una posición en un plano inestable. Sin embargo, el efecto common es lo opuesto a la entropía. A través de una calibración precisa de diferencias y similitudes, McGlynn logra un equilibrio convincente.
McGlynn podría estar relacionado con artistas que emplearon la abstracción minimalista como provocación, como la década de 1960. grupo BMPT (Buren, Mosset, Parmentier y Toroni) o el pintor croata julije cuchillor. A principios de la década de 1990, McGlynn creó una serie a la que se refirió como “desvíos” – un término asociado con el Internacional Situacionista eso significa redirigir o secuestrar. Sus pinturas se derivaron de logotipos corporativos, recortados o alterados sutilmente de manera que los convirtieron en comentarios políticos absurdos: Dunkin Donuts en el tipo de letra acquainted, reducido a las letras, OD (como en una sobredosis), el logotipo acquainted de Marlboro con una caja negra reemplazando el nombre de la marca La sintaxis reduccionista generó la narrativa. Este cuerpo de trabajo le marcó tanto el cubierta de Artforum (con Emily Carter) y una demanda de cese y desistimiento de Toys ‘R’ Us.
Durante dos décadas, el trabajo de McGlynn no ha hecho referencia a logotipos corporativos específicos. Lo que queda es la destilación y la reducción y la concept de que estas formas rectangulares funcionan como significantes, una especie de meta-abstracción. Al igual que los logotipos, los rectángulos de McGlynn son parte de un vocabulario común, aunque disfraza una agenda formalmente radical. La repetición es parte del significado incrustado en la obra. Las pinturas individuales se sienten como piezas de un proyecto en curso para agotar el potencial iterativo de un conjunto estrecho de parámetros. La imposibilidad del proyecto es lo que lo califica como poético, o mejor dicho, como una convergencia de poesía y tal vez matemática. Lo que no cambia es la relación estructural de los rectángulos más pequeños con el rectángulo más grande en el que están situados. Lo que sí cambia son los colores y la relación de cada shade con los demás, tanto individualmente como en grupo. En diferencia y repetición, Deleuze parafrasea a Hume al decir que la repetición es un cambio que no se produce en el objeto sino en la mente del sujeto. Contrae pasado, presente y futuro en una especie de presente eterno. Pero incluso la repetición estilística como la de McGlynn, en la que las obras individuales representan diferentes ejemplificaciones de una sola concept, es una forma de comprimir pasado, presente y futuro. Como tal, también puede ser una forma de abordar el período de atención cada vez más corto del público y su necesidad de reducción, fragmentos de sonido y marca.
Dicho esto, las pinturas de McGlynn son hermosas. A diferencia de alguien como, por ejemplo, Daniel Buren, McGlynn no repite formas para que funcionen únicamente como signos. Sus colores son dispares pero también coherentes, con formas que hablan entre sí a través de una amplia gama de diferencias y similitudes. Me gusta, un azul grisáceo a un azul ligeramente más verde, un rectángulo vertical a uno horizontal aproximadamente del mismo tamaño. La semejanza abunda, pero rara vez se asienta en la igualdad. Las conexiones se reconfiguran constantemente, resistiendo la estasis y, por la misma razón, la diferencia nunca es whole. Uno siente que McGlynn comenzó con la más synthetic de las construcciones: casi un Neoyorquino versión de dibujos animados del arte moderno, solo para ser seducido por la estética del shade y la pintura, la forma y el espacio. Su placer por afinar las relaciones de semejanza, equivalencia y diferencia es tan evidente como su placer por las repetidas pinceladas que nunca llegan a convertirse en planas.
Así como los rectángulos de McGlynn son elementos formales en una composición, son actores en un drama. Las relaciones son tanto sociales como visuales. Acentúa esta concept a través del encuadre de las formas. Nunca se tocan entre sí y nunca se extienden hasta el borde del panel. Los intersticios compiten por la misma facturación. Como en el cartel de la película de terror de 1984. Los chicos del maíznos enfrentamos a un grupo que permanece en silencio frente al espectador, contenido por sus relaciones de igualdad y diferencia, en un estado tanto de tensión dinámica como de ecuanimidad.
“Tom McGlynn: Lo que da”, Rick Wester High quality Artwork, 526 W. twenty sixth Road, Suite 417, Nueva York, NY, hasta el 30 de junio de 2023.
Sobre el Autor: adam simon es un artista y escritor de Nueva York. Sus pinturas recientes combinan logotipos corporativos, fotografías de archivo y tropos del diseño modernista.
