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Cuando Bob Thompson (1937-1966) murió en Roma a la edad de 28 años, llevaba ocho años pintando. Durante ese tiempo, completó más de 1.000 pinturas. Pocos artistas desde su muerte han tenido una efusión related y, como period de esperar, casi ninguno de ellos la ha sostenido durante más de una década. Solo puedo pensar en dos pintores en los últimos 50 años que lograron tanto en un período tan breve: Jean-Michel Basquiat (1960–1988) y Matthew Wong (1984–2019). Sin embargo, lo que conecta a estos artistas tan diferentes no es su biografía, sino el sentimiento de separación que expresaron ingeniosamente en su trabajo.
Thompson le dijo al periódico de su ciudad natal, el Gaceta de Louisville:: “No encuentro un lugar ni una categoría en la que poner mis cuadros ni un nombre para llamarlos”. Su negativa a categorizar o identificar su trabajo sorprende a este espectador como un acto de desafío, y mucho más. Señala, como lo demuestran sus pinturas y dibujos, un deseo de definir su propio camino, en lugar de alinearse con el arte pop, el minimalismo, la pintura de campo de colour y el realismo pictórico, tendencias que surgieron a fines de la década de 1950, cuando llegó a Nueva York.
Un hombre negro nacido en Louisville, Kentucky, durante la segregación, el deseo de independencia artística de Thompson es uno de sus mayores regalos para las futuras generaciones de artistas, sin importar su colour, género o sexualidad. Es un regalo que no se puede separar de sus pinturas figurativas opacas pobladas por siluetas sin rasgos de humanos y animales, representados en colores saturados y habitando un paisaje arcádico. Este mundo rara vez comenta directamente sobre el legado de la segregación, pero nunca lo ignora. Los grupos de figuras sin rasgos distintivos rara vez son del mismo colour en una pintura de Thompson, pero no siempre son hostiles entre sí, una visión que anticipa las pinturas de celebración de los años 90 de Nicole Eisenman de los jardines de cerveza de Brooklyn.
De todos los artistas asociados con el expresionismo figurativo estadounidense, que floreció en gran medida entre 1954 y 1966, y tiene sus raíces en Provincetown, Massachusetts, Thompson ha emergido como el más destacado. Es el gran pintor del grupo y su obra presagia artistas tan diversos como Judith Linhares, Joyce Pensato y Dana Schutz.
Hace una década, una importante exposición, Pioneros de Provincetown: las raíces del expresionismo figurativo, en el Museo y Asociación de Arte de Provincetown (del 19 de julio al 2 de septiembre de 2013), comisariada por Adam Zucker, presentó cuatro pinturas de Thompson, junto con el trabajo de Jan Müller (1922-1958), Gandy Brodie, Pink Grooms, Lester Johnson, Emilio Cruz, Mimi Gross, Robert De Niro Sr., Wolf Kahn y George Segal. Ningún artista tenía más de cuatro pinturas y Thompson fue el más joven en ser incluido. En el comunicado de prensa, Zucker escribió:
La rebelión de los expresionistas figurativos contra la autoridad abstracta en Provincetown a fines de la década de 1950 ilustra uno de los momentos más emocionantes en la historia del arte estadounidense moderno.
Aunque compuesta en su mayoría por artistas que vivieron y trabajaron en Nueva York, esta ciudad ha pasado por alto durante mucho tiempo a este importante grupo de artistas figurativos vagamente asociados. Al hacerlo, también ignora la sociedad abierta y tolerante de Provincetown, con su comunidad racialmente diversa y su larga historia como centro turístico homosexual. Viajando en autobús desde Louisville a Provincetown en 1958, con la esperanza de conocer a Müller, quien murió a principios de ese año, Thompson entró en un mundo diferente. La diferencia period algo con lo que estaba profundamente sintonizado.
Thompson es objeto de dos exposiciones individuales simultáneas en Nueva York: Bob Thompson: Así que todos seamos ciudadanos en 52 Walker, comisariada por Ebony L. Haynes, y Bob Thompson: Agonía y éxtasis en la Galería Michael Rosenfeld. Los espectáculos ofrecen a los espectadores la oportunidad de experimentar el rango de este artista negro inquieto, artísticamente ambicioso y desafiante, cuya carrera duró menos de una década.
Juntas, las dos exposiciones comprenden más de 30 pinturas realizadas durante cada período de la corta carrera de Thompson, junto con 11 obras en papel (la exposición de la Galería Michael Rosenfeld también incluye cuadernos, cartas y fotografías). Si comenzamos con “Fearful Insider #2” (1958) y el dibujo al pastel “Autorretrato” (c. 1958–59), y luego consideramos qué cambia en “Black Monster” (1959) y “Le Poignarder (the Stab )” (1959) (todas de Michael Rosenfeld), después de llegar a Provincetown y Nueva York, podemos ver con qué rapidez y fluidez se aleja del realismo, mientras absorbe y transforma el motivo del citadino anónimo y maltratado de Lester Johnson . En lugar de parecer derivado o apropiativo, Thompson parece sumamente confiado. Está seguro de que puede hacer algo con lo que se comprometa, y no se equivoca.
Aunque Thompson nunca conoció a Müller, quedó profundamente afectado por las pinturas del artista mayor de un mundo arcádico habitado por figuras míticas. Escribiendo sobre Müller en Noticias de arte (enero de 1958), John Ashbery afirmó que “aporta una sensibilidad medieval a las pinturas neoexpresionistas”. El mundo arcádico de Thompson es un lugar espeluznante, plagado de luchas violentas, emocionalmente en sintonía con los tiempos. Una persona importante con la que se hizo amigo fue Dody Müller, la viuda de Jan, quien, en una historia que se repite con frecuencia, le dijo que “nunca busque sus soluciones en los contemporáneos, mire a los viejos maestros”. Mientras aún estaba en Louisville, Thompson comenzó a copiar reproducciones de obras de maestros antiguos que vio en libros de arte. El consejo de Dody Müller afirmó la búsqueda de Thompson de lo alegórico y de otro mundo.
Un cambio significativo que hizo Thompson en los primeros años que se comprometió con el trabajo de Müller, antes de que él y su esposa, Carol, hicieran su viaje inicial a Europa en 1961, fue eliminar los rasgos faciales de sus figuras. Su anonimato cambió el trabajo del énfasis en los tipos en el arte medieval a las masas anónimas que se han convertido en sinónimo de modernidad, que se vio reforzada por el uso audaz del colour por parte del artista. Creo que una de las razones por las que Thompson se sintió atraído por Müller fue porque lo consideraba un rebelde que se negaba a aceptar las convenciones artísticas de la época, como la abstracción pura o la figuración de De Kooning.
A pesar de hacerse amigo de escritores y músicos como Allen Ginsberg, LeRoi Jones (más tarde, Amiri Baraka) y Ornette Coleman, Thompson sabía que nunca encajaría en el statu quo y se negó a intentarlo. Al igual que sus amigos, quería que lo tomaran en sus propios términos. Esto es lo que deja en claro su trabajo: en lugar de sentirse como un “informante temeroso”, quería crear un mundo donde la lucha entre el caos y el orden, la estructura y el impulso, lo racional y lo irracional, y el legado histórico que heredó como negro. el hombre nacido en el Sur, nunca se asienta. Su interés por la pintura del Renacimiento italiano le permitió tanto distanciarse de esta situación como enfrentarse a sus demonios personales.
En “An Allegory” (1964), a la vista en 52 Walker y en la colección del Museo Whitney de Arte Americano, Thompson imagina un mundo completamente misterioso. Por lo common, una alegoría se usa para ilustrar conceptos complejos que contienen una moraleja, a menudo sobre el amor o la codicia. Las pinturas de Thompson están llenas de símbolos que se resisten a una lectura reduccionista.
Compositivamente, “An Allegory” es como un escenario. El primer plano está ocupado por dos caballos azul oscuro que tiran de un carro abierto, en realidad una plataforma con ruedas, en la que se sientan cinco personas: cuatro desnudos sin rasgos distintivos y de colores brillantes en el frente y una figura en la parte posterior, agarrando un pájaro grande que aletea por su piernas. Una figura, en el costado del carro, mira hacia el espectador, como para reconocer nuestra presencia. Otro sostiene un árbol con el tronco roto. El árbol parece estar creciendo desde el paisaje justo detrás del carro; sin embargo, la mano de la figura roja agarra el baúl por detrás, mientras que la parte inferior del baúl se encuentra en diagonal sobre el regazo de la figura, lo que sugiere que ocupa dos espacios diferentes.
Esta ambigüedad formal invita al escrutinio del espectador en cuanto a qué más está pasando en la pintura y plantea la cuestión de la relación entre los habitantes humanos y el mundo pure. ¿La relación es armoniosa o disruptiva o ambas? ¿Qué significan los dos pájaros? Un pájaro de pie de colour azul pizarra visto de perfil está en la parte trasera del carro, elevándose sobre la figura sentada. ¿El ave es actual u decorative? ¿Qué representa la combinación de hombre y pájaro capturado? Así como nos atrae el colour saturado, el paisaje que retrocede y la variedad de pinceladas, es possible que la escena nos deje igualmente perplejos. Ese equilibrio, casi imposible de lograr, es donde Thompson llama mi atención y confirma su genialidad. Y aunque no hace esto en todos los trabajos, lo hace más de una vez, y nunca deja de ser interesante.
El otro signo de su brillantez pictórica es la forma en que reconstruye sus encuentros con las pinturas de los Viejos Maestros. “La ejecución” (1961) se realizó poco después de que Thompson fuera a París por primera vez y viera “La decapitación de San Cosme y San Damián de Fra Angelico” (1438-1440), en el Louvre, un lugar que visitaba a diario.
Si bien la composición de Thompson refleja la de Fra Angelico, sus cambios son significativos, comenzando con la transformación del grupo figurativo de Angelico a la izquierda de la pintura en siluetas monocromáticas, cada una distinguida por un colour específico. El santo arrodillado y con los ojos vendados ha sido elevado en el aire, un cuerpo con los ojos vendados, pintado de negro y colgado de un árbol negro. El verdugo está a punto de decapitarlo, como los demás que yacen en el suelo a su alrededor.
A excepción de la figura negra, todas las siluetas están pintadas de un colour diferente, incluidos el rojo, el verde oliva y el violeta. En un momento en que Estados Unidos se representaba en gran medida como compuesto por dos razas, Thompson sabía que ese no period el caso. ¿Son las figuras de la izquierda transeúntes, una audiencia de aprobación o posiblemente el próximo grupo que será ejecutado? Los planos de colour comprimen el espacio, mientras que los rojos, ocres y verdes circenses añaden una nota desconcertante que se acerca a la alegría. ¿Cuál es la intención alegórica de esta pintura de figuras anónimas?
Hay mucho para desempacar y resolver en las pinturas de Thompson. Entre finales de la década de 1950 y finales de la de 1960, cuando el mundo del arte se movía en una dirección más literal y el contenido estaba siendo expulsado, Thompson tomó el camino opuesto para abordar una amplia gama de temas y problemas, incluido el legado de la esclavitud, la opresión racial, los sueños bacanales y el deseo sexual, sin volverse tópicos. No le interesaban los titulares ni la personalidad, ni la pura abstracción. Persiguió lo alegórico y lo simbólico. Alrededor de 1967, un año después de su muerte, Philip Guston experimentó una transformación radical y comenzó a moverse en un territorio related que le permitió contar historias. Quizás el mundo del arte debería prestar más atención a este linaje, aquel en el que la imaginación, la historia del arte, la historia del terror y lo que el poeta William Butler Yeats llamó “una belleza horrible” no se consideran fuera del alcance de la pintura.
Bob Thompson: Así que todos seamos ciudadanos continúa en 52 Walker (52 Walker Road, Tribeca, Manhattan) hasta el 8 de julio. La exposición fue curada por Ebony L. Haynes.
Bob Thompson: Agonía y éxtasis continúa en Michael Rosenfeld Gallery (100 eleventh Avenue, Chelsea, Manhattan) hasta el 26 de mayo. La exhibición fue organizada por la galería.
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