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Escondido en el tercer y cuarto piso de un edificio antiguo en Nice Jones Avenue en el Bajo Manhattan, una amplia exposición de la galería rinde homenaje a la década de 1970. Hasta el domingo 21 de mayo de Ese programa de los 70 es una alternativa refrescante y gratuita a las ferias de arte a precios astronómicos de este fin de semana. Incluye presentaciones de 21 galerías, todas con obras de la década de la alfombra de pelo largo.
Los dos espacios tipo loft del nivel superior son parte de la Galería Eric Firestone, que tiene su tienda principal a unas cuadras de distancia en la misma calle. Los tres espacios están en Soho, el centro bohemio de la década de 1970 en Nueva York. Ahora, el vecindario está lleno de nuevas empresas de la period del auge tecnológico (¿alguna vez has oído hablar de Face Fitness center, un salón de masajes faciales y una tienda de cuidado de la piel equipada como un espacio para hacer ejercicio?), otras tiendas de lujo adyacentes y cadenas de moda globales. Una vez fuera de la calle principal, los visitantes atraviesan una puerta baja, suben a la Galería Eric Firestone y suben una escalera de madera chirriante antes de llegar a la primera de las dos galerías blancas. El trabajo de pintura es tan brillante, y las ventanas del desván tan grandes, que los espacios se sienten como un sueño.
“El proyecto surgió de forma espontánea y rápida, se organizó por completo en el último mes”, dijo Jen Samet, directora de la Galería Eric Firestone. (Samet es un hiperalérgico colaborador.) Eric Firestone pidió a un puñado de galerías de la ciudad de Nueva York que prestaran trabajo. Después de que los participantes enviaran sus selecciones, a cada galería se le asignó una sección de la pared blanca.
La Galería Michael Rosenfeld de Chelsea contribuyó con parte de una serie de Benny Andrews titulada sexismo (1973), compuesto por un largo óleo y nueve dibujos a tinta. La serie es la cuarta de cinco cuerpos de trabajo que Andrews creó en respuesta al próximo Bicentenario de la Revolución Americana. Se encargó a una comisión designada por el gobierno federal que creara una celebración de la guerra en todo el país, pero Andrews anotado que el único reconocimiento de los negros se relacionará con la esclavitud. Esta cuarta serie se basa en las relaciones de Andrews con los grupos feministas de la época.
La monumental pintura “Sexismo” (1973) se basa en las imágenes caricaturescas y fantásticas de Hieronymus Bosch “Jardín de las delicias” (1490-1500) para visualizar la resistencia y exagerar las formas en que la sociedad estadounidense ve a las mujeres. Abundan los símbolos fálicos, y las mujeres (en vasijas con forma de pecho) parecen conducir a hombres de apariencia incompetente hacia su muerte bajo una lona shade carne. Un paisaje pure espera más allá de la pila. Flores y árboles coloridos brotan en el costado del acantilado, quizás una referencia al Jardín del Edén.
Algunas otras obras de la muestra también se basan en gran medida en eventos culturales de la década de 1970. Sin embargo, la mayoría de las obras de arte de la exposición comentan algo más profundo y, en última instancia, revelan lo poco que ha cambiado en los últimos 50 años.
Tres fotografías de 1978 de Sandy Skoglund, presentadas por Ryan Lee Gallery, todas muestran patrones decididamente de los años 70 y comida, aunque la década no es exactamente conocida por sus ofertas connoisseur. El cuerpo de trabajo es milagrosamente un reflejo de eso. Es una serie sorprendentemente consciente de sí misma que identifica la estética de la década de 1970 que ha perdurado en nuestra memoria colectiva. El primer trabajo, “Two Packing containers” (1978), reflexiona sobre la cultura del consumo, según la etiqueta de la pared que acompaña a la Ryan Lee Gallery. Las dos segundas fotografías consideran la normalización de los alimentos procesados.
Fue en esta década que Estados Unidos comenzó cambiando lejos de las monstruosidades moldeadas de gelatina y comenzó a moverse hacia la cena “de la granja a la mesa”. “Peas and Carrots on a Plate” (1978) y “Two Plates of Corn” (1978) representan verduras del tamaño de un bocado, que parecen bastante crudas y blanqueadas, en tonos vibrantes. Las zanahorias, los guisantes y el maíz se parecen menos a los alimentos y más a los patrones florales de bloques de colores detrás de ellos.
Otras obras de la muestra tienen menos fecha. “Crops and Fish” (1973) de Jane Freilicher es una naturaleza muerta hogareña y cálida. “M Avenue – Rosetta Williams” de Sylvia Snowden (c. 1978) es una imponente pintura expresionista abstracta que revela capas y capas de pintura de cerca y una figura monstruosa de lejos.
La Galería Eric Firestone también agregó piezas a la exposición: un lienzo retorcido pintado de colores brillantes y una instalación con una capa de pintor colgada de una percha. “Untitled” (1970) de Joe Overstreet está atado tanto al techo como al suelo, lo que le da a la obra la sorprendente apariencia de ser ingrávida e imposiblemente pesada. La segunda de las obras de Eric Firestone, “The Wall” (1973), es de Charles DuBack, un artista mejor conocido por sus obras unidimensionales. A lo largo de su carrera de varias décadas, DuBack reflejó tendencias más importantes en el mundo del arte, pasando de la abstracción de líneas limpias a la pintura de figuras y paisajes. Aquí, DuBack parece rendir homenaje a la posición del artista. En la entrada de una casa, DuBack pintó un suéter de punto trenzado, botas de agua y un par de botas. Una bata de pintor y un par de botas de cuero cuelgan de una percha.
Cuando visité Ese programa de los 70 el miércoles 18 de mayo se montó la muestra, pero aún no abierta al público. Códigos QR, etiquetas de pared y listas de verificación guiarán a los visitantes este fin de semana, y algunas agrupaciones de obras de arte tendrán un representante de la galería cerca. La exhibición estará abierta hasta el domingo 21 de mayo y todos son bienvenidos.
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