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“Para ser hermoso, primero debes ser visto, pero ser visto te permite ser cazado”, escribió Ocean Vuong en su primera novela, En la Tierra somos brevemente hermosos (2019). Vuong es un portavoz de nuestro tiempo, que expresa una nueva relación paradójica con el cuerpo en esta period de Instagram. Y los coleccionistas de arte de hoy están respondiendo, a su manera, buscando arte figurativo menos idealizado. Ahora, por supuesto, el cuerpo inusual es un pilar del arte moderno. Pero si vende o no es otra cuestión. Se está produciendo un cambio sutil pero notable en el mercado del arte en términos de qué representaciones del cuerpo son comercialmente viables, cuáles de esas imágenes los coleccionistas cuelgan en sus hogares y cuáles terminan en los puestos de las ferias de arte para atraer a los posibles compradores.
La feria de la Fundación Europea de Bellas Artes (TEFAF), abierta desde ahora hasta el 16 de mayo, es un lugar interesante para registrar este cambio. Mientras que otras ferias concurrentes exploran lo que viene en el arte del siglo XXI, los grandes nombres del Modernismo ocupan un lugar central en TEFAF, a través de 91 presentaciones de una gama world de marchantes de arte. Las cabinas están abarrotadas, lo que genera una sensación poco común de claustrofobia en el cavernoso Park Avenue Armory. Sin embargo, la feria todavía ofrece una valiosa oportunidad para ver varias obras raras y desconocidas de los titanes familiares del modernismo, que de repente pueden ser proféticas e intrigantes para los coleccionistas, pero que aún no están en las colecciones de los museos.
Por ejemplo, un impresionante autorretrato desnudo de Egon Schiele está a la vista en el stand de Richard Nagy, una galería de Londres. Fue ejecutado en 1917, justo un año antes de la muerte del artista. (A menudo se usaba a sí mismo como modelo porque period difícil encontrar modelos masculinos). En los últimos trabajos del artista, las líneas suelen ser más fuertes, gruesas y audaces. Esta es una rara oportunidad de ver en persona el audaz estilo tardío de Schiele.
Puede parecer un poco anticuado girar hacia esta antigua estatua en el stand de Galerie Chenel. Sin embargo, el tema de la dioscuros se trata mucho más de la vulnerabilidad corporal de lo que deja ver la pantalla. Estamos en medio de una gran empresa para recontextualizar las obras de arte antiguas. En lugar de ver esta escultura a través de la lente sobria de las nociones obsoletas de desnudez heroica de los libros de texto de historia del arte, hay una invitación a sumergirse en la semiótica desordenada del paganismo romano. Dioscuri es griego latinizado, que significa Zeus (dios) y chicos (kouros). Por lo normal, vemos a los Dioscuros como la pareja Cástor y Pólux. Esta estatua es solo una mitad existente. Aunque Leda fue la madre de Castor y Pollux, diferentes padres los engendraron. Como hijo de Zeus, Pólux period inmortal. Como hijo de Tyndareus, el rey de Esparta, Castor period mortal.
El contraste entre la invencibilidad de Pollux y la vulnerabilidad de Castor se presenta en el mito, pero también en la devoción. práctica, donde fueron invocados para la protección de las vicisitudes de la vida. Esta es una estatua sobre esa sensación de estar colgando de un hilo y buscar la ayuda divina.
Pasando de la antigua Roma a la Italia moderna, en el stand de la Galleria d’Arte Maggiore GAM hay una rara pintura de Giorgio de Chirico que retrata a los gladiadores romanos, “I gladiatori” (1928). Rara vez tenemos la oportunidad de ver el trabajo de la fase anterior menos surrealista de De Chirico. El artista se inspiró en la película de 1913. Quo Vadis. Tras una inspección más cercana, la pieza está llena de ironía. Algunos de los hombres usan máscaras y es difícil saber si las dos figuras inferiores están luchando o atrapadas en un abrazo. En la exhibición de la Galería Mazzoleni, hay otra pintura de Chirico de un maniquí de madera de un trovador, un cantante callejero, construido de madera. En cierto modo, es más típico de la sensibilidad metafísica posterior por la que De Chirico es más conocido. En otros sentidos, es francamente extraño y menos soñador que el de Chirico que podríamos estar acostumbrados a ver.
La Galerie Marcelpoil, con sede en París, trajo a TEFAF un raro boceto preparatorio de Pierre Bonnard para el ballet menos conocido de Richard Strauss. Josephslegende (“La Leyenda de José”). En 1914, este fue el nuevo espectáculo candente de los Ballets Russes que dramatizó la historia de José, el hijo favorito de Jacob y Raquel, del Libro del Génesis. Las líneas ásperas y esquemáticas pueden no ser del estilo acquainted de Bonnard, pero la pieza tiene su propio magnetismo puro cuando se adopta en sus propios términos.
Es muy raro ver a Ernst Ludwig Kirchner representar desnudos masculinos. Las mujeres son mucho más frecuentes en su trabajo. “Three Nude Younger Males” (1932-1936) realmente se destaca en el stand de la galería austriaca Wienerroither & Kohlbacher. Esta pintura nunca se vendió durante la vida del artista; se encontró en su estudio después de su muerte. Las sombras del árbol y la luz moteada se representan de manera única como redes de colour azul brillante contra la carne rosa y naranja.
Y tampoco solemos ver el trabajo más figurativo de Roberto Marta de la década de 1940. La pintura del artista chileno “Each man a King” (1947) es una oportunidad especial para tomar un ejemplo de esta fase a veces descuidada del trabajo del artista, presentada por la galería neoyorquina Eykyn Maclean. El tema está muy abierto a la interpretación. El título no defrauda precisamente el propósito de la figura de la mantis religiosa, aunque parece ser una crítica política de los horrores de la guerra.
En el stand de la galería londinense Provide Waterman, hay una vasija de terracota sin título de Magdalene Odundo que evoca sutilmente el cuello o un pico. Es una deliciosa y sutil oda a la corporeidad. “Ha habido una reevaluación y revalorización de la figura, particularmente en Gran Bretaña. La gente ya no le tiene miedo, observó Robin Cawdron-Stewart, directora sénior de la galería.
En consonancia con este sentimiento, el stand de la galería parisina Mennour presenta un deslumbrante retrato de Alberto Giacometti del poeta Yanaihara. Las capas de marcas grises forman un palimpsesto visualmente fascinante. Y el marchante de Nueva York Leon Tovar exhibió un autorretrato escultórico de Feliza Bursztyn, “Sin título” (1959). Las manos se estiran, la boca está abierta y hay un vacío en el vientre. La artista hizo esta escultura después de buscar un aborto.
Aunque hubo muchas obras de Jean Dubuffet en la feria, la más fuerte fue la de la galería francesa Applicat-Prazan. El tema de “Ouvre-Bec” (1961) es un hombre no identificado. El título es un modismo francés que significa “pico abierto”, una metáfora de estar emocionalmente abierto, o lo que en inglés podríamos llamar “llevar el corazón en la manga”. La textura áspera y arenosa se convierte en una metáfora de la vulnerabilidad emocional.
Una gran pintura de Michael Ray Charles del cuerpo de una mujer blanca en un monociclo me llamó la atención en el stand de Templon Gallery. Una cabeza diferente se yuxtapone al cuerpo: es un Picaninny, una caricatura racista anterior a la guerra de individuos africanos esclavizados. Como artista negro de Louisiana, Michael Ray Charles está interesado en las contradicciones raciales. Pero el significado exacto de esta yuxtaposición en “(Endlessly Free) the Delicate Stability” (2004) se deja a la discreción del espectador. En décadas anteriores, algunos coleccionistas, curadores y críticos discreparon de la naturaleza estridente de sus imágenes, pero ahora su obra está siendo reevaluada.
Por supuesto, hubo mucho trabajo en TEFAF NY que no period figurativo, además de objetos como joyas y muebles. Pero mi punto aquí es que una nueva forma de relacionarnos con nuestros propios cuerpos es palpable, incluso en una feria de arte. Los coleccionistas parecen estar buscando obras que les den un respiro y permiso para no ser Insta-perfect. El resultado concreto es una oportunidad fantástica para ver fases figurativas de artistas modernos que alguna vez fueron descuidados y composiciones más inusuales que quedaron fuera por menos que ideales.
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