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Con el reciente lanzamiento de Katy Hessel’s La historia del arte sin hombres (2023), agrego a mi biblioteca otra encuesta sobre mujeres en la historia del arte occidental. Se une a títulos de Wendy Slatkin (Mujeres artistas en la historia2000), Whitney Chadwick (Mujer, Arte y Sociedad1990), Elsa Honig Positive (Mujeres y Arte, 1978), y una cosecha de proyectos similares de la época dorada de la historia del arte revisionista con perspectiva de género: la década de 1970. A pesar de la continua proliferación de estos textos, algunos revolucionarios, otros repetitivos, el panorama de la “historia del arte de las mujeres” (si existe tal categoría) es más variado que nunca.
Lo más cercano a un texto de encuesta definitivo sigue siendo el de Chadwick, que fue revisado y vuelto a publicar en su sexta edición en 2020. Aunque ambos La historia del arte sin hombres y Mujer, Arte y Sociedad cubren el mismo terreno, el libro de Chadwick es el más interesante y complejo de los dos, ya que pasa páginas dando contexto social y político a los artistas discutidos más adelante, además de incluir muchos personajes secundarios que Hessel omite. Un rápido vistazo a las notas al pie de página de La historia del arte sin hombres deja en claro cuán estrechamente se basa Hessel en la erudición de Chadwick (así como en el trabajo de historiadoras del arte feministas esenciales como Linda Nochlin y Griselda Pollock). El libro de Hessel, sin embargo, está escrito de una manera más accesible y conversacional. Si esta es su innovación, que así sea. Hay un valor innegable en presentar el trabajo a una audiencia no iniciada, aunque dudo en sugerir que una interpretación más matizada de la historia del arte está más allá del alcance de muchos lectores.
EH Gombrich historia del arte (en el que se reproduce el título de Hessel) se publicó por primera vez en 1950, y ahora en su 16ª edición, sigue siendo un texto histórico del arte innovador. Al publicar una nueva historia del arte feminista, la editorial de Hessel, WW Norton & Firm, declara implícitamente, a pesar de que ya existen libros casi idénticos en el mercado, que no existe un equivalente para la historia del arte de las mujeres. Si bien la falta de un texto fundacional universalmente considerado parece ser una evidencia de que el mundo del arte dominante sigue desconectado del tema, las historiadoras del arte feministas deberían aprovechar este terreno indefinido como una oportunidad para remodelar la forma en que escribimos sobre el arte de las mujeres.
Si la década de 1970 fue una edad de oro de la historia del arte feminista, estamos en su edad de plata. Con nuevos textos que se publican mensualmente, ahora parece un buen momento para preguntarse: ¿Cuál es el estado de la historia del arte de las mujeres? Si Hessel está a flote, ¿quién está avanzando en la erudición?
A notable libro reciente, y ciertamente uno de los más innovadores en su forma, es La breve historia de las mujeres artistas de Susie Hodge (2020). Organizado en cuatro secciones, destaca los movimientos principales, las obras individuales, los “avances” y los “temas” que unen a los artistas a lo largo del tiempo. Esta circularidad (las páginas incluyen flechas que dirigen al lector a artistas y movimientos relacionados, interrumpiendo la linealidad de la forma del libro) es feminista en su enfoque no jerárquico, aunque este formato parece ser en gran medida unintended: el libro es uno de una serie de guías de bolsillo, que utilizan una estructura related ya sea que el tema sean mujeres artistas, arquitectura o fotografía.
Aún así, el libro de Hodges es una introducción y uno cuyos artistas elegidos no se desvían del canon aceptado de mujeres artistas (¡sí, existe!). Si pienso en las obras que me han emocionado en la última década, las que más se sienten como un progreso contradicen audazmente las estructuras dominantes de la historia del arte. Pienso en estos autores colectivamente como una llave que gira en una cerradura: cada libro empuja un alfiler dentro del mecanismo, cada uno un paso más cerca de la revolución reveladora: una historia del arte completamente desprovista de estructuras de valores patriarcales.
Algunos aspectos destacados, como el de Mary Gabriel Mujeres de la calle novena (2018), simplemente construya una imagen matizada y minuciosamente investigada, moviendo las historias de artistas cuyos nombres conocemos de las notas al pie para llenar página tras página. Otros, como Paris Spies-Gans’ Una revolución sobre lienzo (2022), que explora la ventana de tiempo posterior a la Revolución Francesa en la que las mujeres tuvieron una libertad artística sin precedentes, toma un momento histórico y examina la forma en que transformó las artes, dejando en claro que el camino hacia la representación igualitaria no es lineal. Algunos desarrollan las historias que aún están marginadas dentro de textos que exaltan a los marginados, como lo hace Lisa E. Farrington en Creando su propia imagen (2005), una encuesta de mujeres artistas afroamericanas, de las cuales solo un puñado se menciona en libros como los de Chadwick y Hessel (por no hablar de Gombrich). Philip J. Deloria’s Convertirse en Mary Sully (2019), es refrescante en la forma en que complica una historia del Modernismo al explorar el trabajo de su pariente, la artista Dakota Sioux Mary Sully y sus estudios sobre la abstracción a través de la lente de su cultura nativa. No es solo un libro sobre una mujer artista, sino que utiliza su trabajo para ampliar nuestra comprensión del principal movimiento histórico del arte del siglo XX.
Y luego, está Nicole R. Fleetwood tiempo de marcado (2019), que outline un sistema de “estética carcelaria” en el arte realizado por presos, construyendo una rúbrica radicalmente diferente para evaluar su trabajo. Aunque puede no ser específico de las mujeres artistas, su marco para comprender qué hace que el arte sea “bueno” tiene la capacidad de remodelar radicalmente cuánto valoramos el trabajo de los artistas marginados (ya sean encarcelados, autodidactas, BIPOC o mujeres). .
Desafortunadamente, es cierto, sin embargo, que las elecciones que hacen los autores sobre quién se convertirá en el tema de su libro son idiosincrásicas y, a menudo, de naturaleza private. Las historiadoras intrépidas, casi siempre, solo pueden sumergirse en un tema a la vez, y muchas mujeres artistas encuentran campeones en sus familiares (como en La vida surrealista de Leonora Carrington (2017), escrito por la sobrina del pintor). El resultado es un panorama escasa y esporádicamente poblado de estudios serios sobre mujeres artistas y sus contribuciones al arte y la cultura. (Hay dos biografías de la fotógrafa Vivian Meier, por ejemplo, pero ninguna de Margaret Bourke-White, sin duda una fotógrafa más influyente). Hay, lo que es más notorio, una escasez de biografías sobre el trabajo de mujeres artistas negras, con muchos libros sobre el tema escrito por los propios artistas (como el de Barbara Chase Riboud 2022 memorias y Religion Ringgold’s Volamos sobre el puente).
El proyecto que han emprendido escritores como Hessel es llenar diligentemente los agujeros de la imagen histórica del arte. Pero cuando pienso en lo que me emociona de estudiar el trabajo de mujeres artistas, por qué he dedicado mi carrera a pensar y hablar sobre su trabajo, es la sensación de que lo que está fuera del marco es más interesante que lo que está dentro. El canon de la historia del arte de las mujeres se estableció en la década de 1970. Cincuenta años después, ahora es nuestro trabajo desmontarlo.
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