Cultivando una estética abstracta en la pintura de paisaje

La abstracción no es exclusiva de la pintura de paisajes, pero el mundo pure se presta maravillosamente a este enfoque. Cuando consideramos la gama de luz de la naturaleza y sus muchas personalidades atmosféricas, o su variedad de colores, formas y texturas, nos damos cuenta de cuánto de la naturaleza es inherentemente abstracto.

Muchos pintores, incluso aquellos que trabajan de forma representativa, se sienten atraídos por lo abstracto. Una estética abstracta puede imbuir a una pintura de una dimensión further que trasciende la representación. Para muchos artistas, sin embargo, el cambio hacia lo abstracto puede ser difícil de alcanzar.

Scott Gellatly, “Luz en refugio” 2020, óleo sobre tabla, 21 x 45″
La abstracción nunca es un acto arbitrario. Requiere una orientación visible que priorice la estética como el colour, la forma o el movimiento sobre la historia representativa. Gellatly cube: “En estas escenas de humedales, me atrae especialmente la forma en que el paisaje ricamente texturizado se refleja en las aguas adyacentes, distorsionando la forma en forma y colour puros. Uso el colour para representar la luminosidad, lo que eleva la luz de la escena como el tema central”.

¿Qué hace que una pintura sea abstracta?

Todos reconocemos una pintura abstracta cuando la vemos, pero ¿por qué la experimentamos de esa manera?

Cada pintura, ya sea estrictamente representativa, completamente abstracta o algo intermedio, se construye con ciertos dispositivos estéticos, como el valor, el colour, la composición, la forma, and so forth. En una obra de representación, estos dispositivos estéticos están firmemente ligados al tema, dando a la imagen la estructura descriptiva necesaria para que sea reconocida como lo que es: una casa, un árbol, una montaña, and so forth.

Sin embargo, cuando la narrativa se vuelve menos obvia y la experiencia visible se desplaza más hacia los propios dispositivos estéticos, la pintura se vuelve cada vez más abstracta. Cuantas menos pistas sobre la realidad objetiva haya, más abstracta decimos que es.

“La abstracción generalmente implica implicación, sugerencia y misterio en lugar de una descripción obvia”, dijo el artista y escritor canadiense. Roberto Genn (1936-2014). “Como un buen poema, una buena abstracción ataca tus sentimientos antes que tu comprensión.”

Las pinturas presentadas en este artículo son semi-abstractas. Todavía conservan un punto de apoyo en el mundo de la representación. Experimentar la representación y la abstracción en un mismo cuadro nos permite comprender mejor dónde acaba una y empieza la otra.

inducir la abstracción

Hay tres formas comunes en que los pintores pueden generar una estética abstracta en su trabajo.

• ultrasimplificación y reducción de detalles
• marcas expresivas y/o texturales
• alteración del colour

Aplicar cualquier uno de estos pueden ponernos en un camino hacia la abstracción, pero la mayoría de las veces, varios están en juego al mismo tiempo, como veremos en las pinturas que se muestran aquí.

Extremely-simplificación

En su estado bruto, sin editar, el mundo pure es tan vasto y complejo que el paisajista no tiene más remedio que simplificar. A través de la simplificación, el mundo detallado y complejo se puede traducir en algo más organizado y comprensible para el espectador. Esta es la simplificación de rutina, que es diferente de la “ultrasimplificación”: simplificar en extremo.

Cuando un pintor simplifica en extremo, también comienza a eliminar la información y los detalles narrativos, lo que conduce a la disolución del tema y a una mayor abstracción. La ultrasimplificación es muy eficaz para inducir la abstracción y, de los tres métodos descritos aquí, quizás sea el más fácil de implementar.

Mitchell Albala, “Salmon Bay Below a Pink and Turquoise Gentle” 2022, pastel sobre papel, 4 x 7″
Para interpretar un paisaje urbano tan extenso y complejo de una manera semiabstracta, primero impuse un enfoque muy limitado, que eliminó todos los elementos compositivos excepto los más esenciales. Luego minimicé casi todos los detalles, dejando solo lo suficiente para implicar un entorno urbano, pero no tanto como para desviar la atención de la intención visible principal: formas audaces y simplificadas de colour y luz.

Creación de marcas expresivas y/o texturales

Ya sea que observemos el mundo directamente o en una fotografía, no vemos sus muchos colores y formas como trazos gestuales con un relieve seen comparable al empaste. Los trazos expresivos y la tactilidad de la propia pintura son convenciones pictóricas que viven exclusivamente en el mundo bidimensional plano de nuestras pinturas.

Cuando los trazos o las marcas se activan mucho, estamos agregando una dimensión a la pintura que no tiene una correlación en la realidad. Los elementos reconocibles se disuelven a medida que son reemplazados por marcas más simples. Se lleva una mayor atención a la superficie misma y se induce una experiencia abstracta.

Sandy Ostrau, “Pageant de Coloration” óleo sobre tabla, 6 x 6″
Cuando la pintura se aplica con tanta generosidad y con tanta energía direccional, la imagen se vuelve menos sobre un paisaje y más sobre los elementos de la pintura en sí. La pequeña pieza de Ostrau es un bello ejemplo de cómo una poderosa estética se convierte en la fuerza dominante de la pintura y genera abstracción.

Alteración de colour

Una forma en que experimentamos un tema como representacional es a través de una interpretación realista del colour; es decir, los colores de la pintura se alinean con la forma en que esperamos que aparezcan en la realidad. Todos los pintores de paisajes modifican los colores hasta cierto punto, pero si nos desviamos lo suficiente del colour naturalista de los elementos, descomponemos las señales de representación, lo que puede aumentar la abstracción.

Obviamente, hay muchas formas en que los pintores pueden alterar el colour, pero la forma más común es con un colour muy saturado. El colour brillante y cromático, esparcido por toda la pintura, no es la forma en que experimentamos el colour en la naturaleza; por lo tanto, una estrategia saturada puede ser una forma muy efectiva de ir más allá de la representación y apoyar la estética abstracta.

Brian Rutenberg, “Gardenia”, 2017, óleo sobre lino, 60 x 82″ ©Brian Rutenberg, Cortesía de Discussion board Gallery
Rutenberg usa con frecuencia el colour cromático para apoyar la abstracción. “Lo último que necesita el mundo es otra pintura de un árbol”, explica Brian. “Lo que necesita es la experiencia de una persona calentada y desgastada. Forzar la combinación de colores saturados que no van juntos crea una transferencia de energía, como si la pintura se estuviera haciendo mientras la miras. El colour salvaje encarna la rabia por la vida. No puedo pensar en un mejor punto de partida para abstraer el paisaje”.

Imaginando lo abstracto

Los modos de abstracción revisados ​​aquí pueden señalarnos en la dirección correcta. Sin embargo, hay otro ingrediente esencial que es quizás el más importante de todos: visión.

La abstracción es en gran medida un punto de vista que debe ser previsto desde el principio. ¿Qué es la concept abstracta? ¿Hay cualidades abstractas en el tema que se pueden resaltar? ¿Qué estética primará sobre el sujeto narrativo? ¿La forma en que se maneja la pintura apoyará la abstracción? Esto requiere la voluntad de dejar de lado las nociones preconcebidas sobre cómo debería verse un tema, que es el salto perceptivo más difícil que puede hacer un pintor.

Mitchell Albala, “La casa del farero” óleo sobre lienzo, 38 x 32″
Las pinturas abstractas o semi-abstractas son, en el mejor de los casos, nunca sobre sustantivos, los elementos narrativos que pueblan nuestras imágenes. Se trata de verbos y adjetivos, en forma de acciones estéticas como el colour, la luz, la forma y el movimiento. La visión inicial de La casa del farero period el de una forma rectangular masiva que flotaba dentro de un espeso velo atmosférico. Esto se insinúa en la imagen de origen, pero para expresar completamente mi visión, tendría que exagerar ese efecto. Las opciones de colour, una superficie texturada y una composición extremely simplificada funcionan para respaldar la abstracción. Vea la demostración de esta pintura: Demostración de abstracción de la naturaleza: desarrollo de un paisaje abstracto.

Abstracción y planitud

Una ilusión espacial convincente suele ser un objetivo importante en el trabajo de representación. Se desaconseja lo opuesto a la ilusión espacial, la planitud. Sin embargo, el pintor que trabaje con un enfoque abstracto o de semiabstracción debe tener en cuenta que la planitud suele ser un subproducto de la aplicación de estos modos de abstracción. La creación de marcas expresivas y el colour saturado, en explicit, pueden anular la ilusión de dimensionalidad. Vemos esto aquí en las pinturas de Gellatly, Ostrau y Rutenberg. Nuestro ojo tiende a flotar a lo largo de la dimensión de la superficie, en lugar de experimentar la ilusión de profundidad a través de pasajes de colour y valor que avanzan y retroceden. La propia planitud sustenta la estética abstracta, ya que descompone uno de los indicadores de representación más fiables.

Recursos adicionales

Vea más trabajos de los pintores pintores que aparecen en este artículo:
brianrutenbergart.com
sandostrau.com
scottgellatly.com

en este weblog:
Demostración de abstracción de la naturaleza: desarrollo de un paisaje abstracto.

de Pintura de paisajes: conceptos y técnicas esenciales para la práctica al aire libre y en el estudio
Capítulo 11: Abstracción de la naturaleza
Coloration naturalista y expresivo, página 125–127