[ad_1]
Resplandecientes con sutiles gradaciones de colour, las singulares visiones que Miyoko Ito (1918–1983) comprometió con el lienzo a lo largo de la década de 1970 fusionan los reinos inside y exterior, evocando simultáneamente vistas desoladas y habitaciones bañadas por el sol. Sus composiciones improvisadas pero construidas metódicamente, pobladas de arcos, ventanas que podrían ser espejos e imágenes dentro de imágenes, limitan tan a menudo como reflejan, refractan o se abren a panoramas amplios. Intitulado, 1970, encarna esta confusión: Uno parece mirar, dentro ya través del espacio representado. En el centro de la pintura hay un montículo sin profundidad, con rayas diagonales, una masa holgazana sentada para un retrato, incluso está rematado con un mechón de cabello ondulado. Encerrando esta forma hay paredes pintadas en un coral impactante que gradualmente pasa a caqui maduro y rosa polvoriento. Una técnica favorita de Ito, el sombreado ombré sugiere la fugacidad del crepúsculo. La luz es el tema actual aquí: el resplandor ardiente del atardecer que se vierte en la habitación desde la ventana de arriba. ¿O es un marco de fotos?
Esta exposición, al igual que el estudio del arte de Ito, que se hizo hace mucho tiempo y que se montó en el Artists Area de Nueva York hace cinco años, se centró en su prolífica producción de la década de 1970, pero un puñado de pinturas y tres litografías de la primera mitad de su carrera brindaron una buena oportunidad para comprender su desarrollo artístico. La historia de Ito es difícil de separar de su trabajo, y el catálogo que acompaña a la exhibición de Matthew Marks refuerza esta conexión: una cronología biográfica es el único texto en el delgado volumen. Ito nació de inmigrantes japoneses en Berkeley, California, y, además de cinco años de infancia formativos pero difíciles en Japón, también se crió allí. En abril de 1942, poco después de que EE. UU. entrara en la Segunda Guerra Mundial y un mes antes de graduarse de la Universidad de California, Berkeley, fue trasladada a la fuerza al campo de internamiento de Tanforan para estadounidenses de origen japonés. Una beca para Smith School le permitió salir del centro de detención, pero luego se transfirió al Instituto de Arte de Chicago y se instaló en esa ciudad, donde desarrollaría su estilo característico.
Ito trabajaba en su casa mientras criaba a dos hijos, pintando de día en un lienzo a la vez. Caballete y Mesa, 1948, un ejemplo temprano de su preocupación por la tensión espacial, captura sus condiciones de trabajo apretadas, su estudio invadiendo su espacio very important. Gradualmente, en el transcurso de tres décadas, estableció una presencia dentro de la escena artística de Chicago, a pesar de sus responsabilidades familiares y luchas contra el cáncer y la salud psychological. Expuso junto a los Imagists en Phyllis Type Gallery, pero se alineó más estrechamente con un pequeño grupo de pintores autodenominados Allusive Abstractionists por su énfasis en la abstracción basada en la observación sobre la forma puramente objetiva. Fue una figura importante en ambos círculos, y su formalismo evocador representó un puente generacional y estilístico entre los dos. Como resultado, impresionó a artistas más jóvenes, incluidas Christina Ramberg y Diane Simpson.
Ito enfatizó la fisicalidad y la factura de sus pinturas al dejar visibles aspectos de su proceso. Las tachuelas de carpintero utilizadas para sujetar sus lienzos a los bastidores quedaron parcialmente expuestas en varias pinturas aquí, formando un marco protector de pinchazos que habla de la vulnerabilidad y la impermanencia de cualquier obra de arte. La artista también conservó rastros de sus dibujos preliminares al carboncillo, y las pinturas base verdes, que suavizan sus tonos más cálidos, se filtran a la superficie. Como es evidente en las bandas estratificadas de río del frontón, 1972, pintó hasta los bordes de las líneas de carbón, dejando un espacio negativo que ayuda a delinear el volumen. Sus composiciones tensas y meticulosamente elaboradas también son, por diseño, sorprendentemente esquemáticas y fluidas. Usando pinceladas cortas y lineales, produjo superficies extremadamente mates y absorbentes de luz, sus óleos adquirieron la calidad seca de los pasteles, tan áridos como los paisajes ilusorios que evoca.
Aunque las pinturas de Ito tienen el aura de los paisajes, no son de cualquier ubicación en specific. Sus abstracciones pueden evocar vistas de su experiencia vivida: vistas del Océano Pacífico desde el norte de California y Japón; los desiertos de gran altitud de Utah, donde fue enterrado su esposo; o las vastas extensiones planas del lago Michigan y el Medio Oeste. Sin título #126, ca. 1970, representa una puesta de sol sobre una bahía claramente del norte de California. Sin embargo, otras pinturas están compuestas casi por completo de luz atmosférica y acentos surrealistas, como el sol alado y la escobilla de goma gigante que barre el cielo en Acto uno en el desierto1977. Como indica con el título de un cuadro de 1972, Un paisaje sin lugar (no a la vista aquí), sus vistas, como espejismos del desierto, eran productos de la mente tanto como del mundo. Ningún lugar y todos los lugares: sus pinturas nos llevan allí.
[ad_2]
